Terminología de fotografia y biografias

Terminología de fotografía

Angulación

La angulación de un plano es la inclinación de la cámara con relación al objeto a fotografiar. Cada uno de los puntos de vista de un plano ofrece un ángulo distinto desde el que se puede registrar la realidad.

Fotografía extraída de Internet donde se muestran las diferentes angulaciones

Plano picado

La cámara apunta hacia abajo, se sitúa por encima del objeto o sujeto mostrado, de manera que este se ve desde arriba. Esta angulación da la sensación de superioridad del espectador respecto a la imagen.

Plano contrapicado

Opuesto al picado. La cámara apunta hacia arriba. Elegimos esta angulación para dar la sensación de inferioridad del espectador respecto a la imagen.

Plano cenital

La cámara se sitúa completamente por encima del personaje, en un ángulo perpendicular.

Plano nadir

La cámara se sitúa completamente por debajo del personaje, en un ángulo perpendicular al suelo.

Plano aberrante

También llamado holandés: la línea del horizonte se desnivela por inclinación lateral de la cámara. Sirve para expresar acción, movimiento, inestabilidad o inquietud.

Cenital

Colocamos la cámara desde arriba, totalmente perpendicular al suelo. El ángulo cenital es muy usado en producciones cinematográficas o tomas desde helicóptero para grabar extensiones muy amplias. O los mapas por satélite son el ejemplo más representativo de ángulo cenital.

Supina

Nunca encontramos esta luz en la naturaleza, excepto cuando proviene del fuego. El infierno, Toulouse-Lautrec, el miedo… ¿qué no se ha dicho de esta luz?

El cine clase B (y el A también…) abusó de ella hasta el cansancio. Siempre desde el piso hacia el personaje.

Frontal

Se utiliza una única fuente de luz, el foco principal que colocaremos a 0º respecto al eje de la persona, un poco elevado por encima de sus ojos y haciendo un ligero picado. Es un tipo de iluminación muy efectiva, prácticamente nada queda sin iluminar, pero muy poco artística.

En resumen:

Ángulo a nivel: A la misma altura del sujeto.

Ángulo en picado: Desde una altura superior al sujeto.

Ángulo en contrapicado: De abajo hacia arriba.

Ángulo en cenital: En posición perpendicular con respecto al suelo

Ángulo en nadir: En línea recta hacia arriba.

Encuadres

Básicamente, el encuadre es la porción de escena que nosotros como fotógrafos decidimos va a entrar en una fotografía. Como observadores percibimos con nuestros ojos una escena en su totalidad, pero como fotógrafos debemos seleccionar el área que vamos a capturar y de acuerdo al tipo de escena y al tipo de mensaje que se desea transmitir podemos encontrarnos diferentes vías para realizar el encuadre.

Aunque la clasificación tiende a variar de un autor a otro, se pueden distinguir los tres principales tipos de encuadres como podemos leer a continuación:

Encuadre horizontal: Es el más común y el más empleado de todos. Quizás por ser el que resulta de tomar la cámara y observando por el visor o por la pantalla es lo que nos resulta más natural y sencillo. Pero el que sea común y sencillo no significa que sea mejor o peor, dependiendo de la situación nos resultará más útil este u otro tipo de encuadre. El encuadre horizontal tiene la ventaja de ser muy cómodo al momento de componer una fotografía, ya sea empleando la **regla de los tercios*+ o el espacio negativo por ejemplo. Este tipo de encuadre sugiere quietud, tranquilidad y suele utilizarse normalmente para paisajes y para retratos de grupo, aunque también es bastante popular en retratos de publicidad donde aplicando el concepto de espacio negativo, se coloca al modelo en un extremo y en el extremo contrario se añade el producto o algún texto.

El encuadre vertical: No es tan popular como el anterior, pero no deja de ser una excelente alternativa. Igualmente, al tener que girar la cámara dejando el disparador de un lado, nos puede resultar un tanto diferente, pero experimentar con este tipo de encuadre nos puede proporcionar grandes resultados. Sugiere fuerza y firmeza, y es por excelencia el más apropiado para los retratos, básicamente por el hecho que las personas son más altas que anchas. También se le emplea mucho en publicidad, revistas y moda en general.

El encuadre inclinado: Hay quienes consideran este no es propiamente una forma de encuadre, ya que las fotografías se presentaran de manera horizontal o vertical, sin embargo este enfoque se obtiene inclinando la cámara y justamente a esa posición es a lo que generalmente denominamos “encuadrar”. Obviamente es mucho menos popular que los anteriores pero como alternativa ocasional puede realzar el mensaje que se intenta transmitir, ya que en sí mismo transmite dinamismo y fuerza. Se emplea bastante en casos de deportes extremos o en escenas donde hay sensación de movimiento y acción.

Seleccionar un tipo de encuadre u otro puede ser una decisión bastante difícil a la hora de realizar una fotografía y no existen reglas estrictas que nos indiquen cuando emplearlos, por eso siempre el mejor consejo es experimentar bastante y observar los resultados, y en muchos casos compartir esos resultados y consultar su opinión nos ayudará a entender que es lo que resulta más atractivo a los ojos de los espectadores.

Fotograma

Un fotograma es cada una de las imágenes impresionadas químicamente en la tira de celuloide del cinematógrafo o bien en la película fotográfica (Konigsberg, 2004, p. 235).

Popularmente se conoce como fotograma a cada una de las imágenes que se suceden en una película cinematográfica y que están consideradas de manera aislada.

La medida del fotograma dependerá del formato de la película. El más chico de 8 mm. Es de 4,8 x 3,5 mm. Y en el más grande conocido como IMAX es de 69,6 x 48,5 mm. Cuanto más grande es el fotograma, más aguda será la imagen proyectada en pantalla.

Cada una de las imágenes se encuentra impresa en un papel, en tanto una película fotográfica recogida por una cámara de excelente resolución y velocidad será la que permitirá obtener esa secuencia exacta de las imágenes impresas en papel. Cuando una determinada secuencia de fotogramas puede ser visualizada por el espectador con una determinada frecuencia en las imágenes es que este podrá entonces sentir la sensación de movimiento.

Fotografía directa

La Fotografía directa fue un movimiento en el que se buscaba reivindicar la fotografía como medio artístico, sin preparar o intervenir el tema a representar en las imágenes.

A comienzos del siglo XX, los artistas progresistas comenzaron a interesarse por una nueva estética basada en las propiedades características singulares de su medio de expresión. Así como los escultores comenzaron a respetar la estructura del mármol, en vez de intentar simular la suavidad de la piel, los fotógrafos comenzaron a hacer fotografías que no emularan a otros medios, como en la fotografía pictorialista. El objetivo era obtener resultados a través de medios estrictamente fotográficos. Por fin la fotografía era aceptada como medio artístico legítimo.

Los fotógrafos que siguieron esta nueva tendencia, capturaban imágenes en exteriores con breves tiempos de exposición. Además permitían que sus modelos posasen por sí mismos, a diferencia de las forzadas posturas de la fotografía pictorialista.

La fotografía comenzó a ser considerada como un medio artístico en sí misma y no como una forma de imitar la pintura artística (Fotografía pictorialista). No sólo la forma de fotografiar era lo que cambiaba, sino también el tema fotografiado, se buscaba la espontaneidad, lo natural, sin poses ni manipulaciones.

Biografias 

Man Ray

Man Ray, fotógrafo surrealista, su verdadero nombre era Emmanuel Radnitzky. Nació en 1890 en Filadelfia (Estados Unidos) de familia judía, su padre era de Kiev, Ucrania y su madre de Minsk, Bielorrusia.

Su familia se traslada a Nueva York en 1897. Man Ray estudia en la High School y en La Escuela de Bellas Artes del Francisco Social Center de NY. En 1913 pinta su primer cuadro cubista, un retrato de Alfred Stieglitz.

En 1915 hizo el primer one-man-show, con el que se hizo famoso su nombre por América, como uno de los primeros pintores abstractos.

Adquiere su primera cámara para hacer reproducciones de sus cuadros.

Con Duchamp participa en experimentos fotográficos y cinematográficos y en la publicación del número único de New York Dadá. Impulsado por Duchamp,

Man Ray se mudó a París en 1921, con la única excepción de 10 años (entre 1940 y 1951) que vivió en Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial, pasó el resto de su vida allí.

Captó la atención con sus primeras fotos abstractas, a las que bautizó como rayogramas. Erróneamente se consideró inventor de la técnica aplicada para ello, que ya la habían experimentado otros artistas anteriormente, entre otros Talbot (hacia 1840) y Schad (1918). Publicó 12 de sus rayogramas bajo el título "Champs delicieux".

Poseedor de una gran imaginación, y siempre al frente de las vanguardias, trabajó con todos los medios posibles: pintura, escultura, fotografía y películas.

Man Ray fallece en Francia en 1976 y es enterrado en el cementerio de Montparnasse.

László Moholy-Nagy. Fotogramas 1922-1943.

         Pintor, escultor, fotógrafo, cineasta, diseñador, tipógrafo, teórico del arte, pero también arquitecto de exposiciones, publicista, escenógrafo, pedagogo infatigable, László Moholy-Nagy (1895-1946) es el artista que encarna por excelencia el espíritu utópico de las vanguardias de los años veinte y treinta.

De origen húngaro, tras estudiar Derecho y volver del frente, en 1918, decide consagrarse a la pintura. Entra rápidamente en contacto con Kurt Schwitters, Raoul Hausmann y El Lissitaky, frecuenta los medios dadaístas y constructivistas y realiza obras inspiradas en las exploraciones de estos movimientos. A partir de 1922 afirma su personalidad artística y encuentra realmente su estilo original. Como muchos artistas de esta época (por ejemplo, los constructivistas en Rusia, de Stijl en Holanda), experimenta materiales inéditos (acetato de celulosa, plexiglás, aluminio), se entusiasma por las nuevas posibilidades técnicas, defiende la interdisciplinariedad entre las artes, la industria y las ciencias, pero además, es sin duda uno de los artistas que ha propuesto uno de los modelos estéticos más completos de nuestra modernidad. En sus obras, en su aportación didáctica como profesor (sobre todo en la Bauhaus, en Alemania, de 1923 a 1929, y en el Institute of Design de Chicago, de 1937 a 1946) y en sus escritos, Moholy-Nagy contribuye en gran medida a renovar las formas de interacción entre la sensibilidad y el pensamiento, y en este sentido, algunas de sus propuestas son vigentes hoy día.

Su aura de humanista del Renacimiento se debe esencialmente a un hecho: aunque no sea siempre el primero en utilizar una técnica o un material, en cada ocasión, y sea cual sea el ámbito, innova radicalmente. En su obra, los hallazgos formales tienen ciertamente un papel plástico autónomo, pero él les confiere una función esencial a sus ojos, que consiste en transformar el ser humano tanto en su modo de vida, su psicología y fisiología como en su intelecto. Moholy-Nagy, que vivió durante un período extremadamente agitado, quería que el hombre dejara de ser un instrumento o una cosa para convertirse, mediante la actividad creadora, en el único productor y constructor de su existencia. En este sentido, el artista seguía el espíritu utópico de su tiempo: su voluntad de desarrollar al máximo las capacidades físicas y la conceptualización humana en una síntesis funcional del cuerpo y el espíritu explica su búsqueda incesante de nuevas formas plásticas.

Visión

Inventar objetos de arte significa crear nuevas relaciones en el hombre y entre el hombre y su entorno. Uno de los polos fundamentales hacia el que se orientan sus exploraciones desde 1922 hasta su muerte es la visión. A ella consagrará numerosos manifiestos o textos teóricos; tal vez el más acabado de ellos sea Peinture, Photographie, Film (1925).

Moholy-Nagy estima que, puesto que el ojo está limitado en su percepción, ciertas técnicas, sobre todo la fotografía y el cine, pueden engendrar nuevas aprehensiones del espacio, del movimiento, del tiempo, de la luz, y ampliar así el campo de nuestra experiencia. Para él, el objetivo de tales medios artificiales no consiste en corregir o suplir las debilidades de la óptica humana, sino por el contrario, en elaborar una nueva visión capaz de "dar forma" a la vida. De lo orgánico a lo mecánico, de la célula a la máquina, e inversamente, de la técnica a la biología, tal es la ambiciosa empresa que pretende llevar a cabo, pero siempre prestando una atención infinita a la plasticidad de sus realizaciones.

Al contemplar sus obras, hay que imaginar pues de fondo esa conjunción constante, que tiene una fuerte presencia tanto en sus fotografías como en sus fotogramas.

Terminologia 

Fotograma

Inventado al mismo tiempo que la fotografía, a principios del siglo XIX, el fotograma sólo será utilizado por los artistas por sus propias cualidades a principios de la década de los veinte, en especial por Christian Schad y Man Ray. En esta época, dedicado principalmente a la pintura, Moholy-Nagy comprende rápidamente la riqueza de este material. Realiza sus primeros fotogramas en Berlín, en 1922. Desde entonces, no dejará de producirlos hasta 1946. Actualmente se cuentan 430 piezas, y esta exposición reúne la colección más importante presentada hasta hoy.

En esta exposición se distinguen tres grandes conjuntos, correspondientes a los principales lugares de producción de sus obras: Berlín (1922 y 1923-1928), período de la Bauhaus (1923-1928), exilio en Londres (1935-1937) y en Estados Unidos (1937-1946). Técnicamente, Moholy-Nagy recurre a dos métodos de producción: el primero consiste en situar los objetos directamente sobre un papel fotográfico especial, exponer el conjunto a la luz natural o a una luz artificial, y tras un lapso de tiempo, los contornos y las sombras del objeto dejan sobre el soporte de las superficies claras un fondo oscuro; el segundo se desarrolla en una cámara oscura, un laboratorio, donde la evolución de las formas ya no es visible en tiempo real, y el resultado sólo podrá verse a partir del revelado y la fijación de la copia.

A lo largo de estas experiencias, Moholy-Nagy intentará captar la luz bajo los mejores ángulos e intensidades para crear un material plástico por completo. Para ello, abandonará los objetos opacos en favor de objetos transparentes, traslúcidos o diáfanos como el cristal, el vidrio, ciertos líquidos, velos, tamices, a menudo superpuestos para acentuar los efectos de contraste, grano y textura. Liberada gracias a la inmaterialidad de los objetos, la luz es la causa que permite el nacimiento de la obra, pero también es el efecto producido por dicha obra.

Luz y abstracción

Desde un punto de vista formal, los fotogramas pertenecen claramente a la categoría del arte abstracto. Realistas en cuanto a su fabricación material -dado que es absolutamente necesario el uso de objetos concretos para su realización-, una vez terminada la obra, parecen formar parte de una estética "no figurativa". Los materiales utilizados raras veces son identificables y han sido dispuestos de tal forma que imposibilitan cualquier referencia al mundo real; diversas indicaciones inscritas por la mano del artista al dorso de las obras señalan que no se les atribuye ninguna posición precisa en su presentación. El fotograma no es una copia, sino una transmutación de lo real, y en primer lugar, del fenómeno de la luz. Cuando Moholy-Nagy habla de que la fotografía y el fotograma "dan forma a la luz", para él, la mejor manera de lograr ese objetivo es canalizar el fenómeno en sí mismo y por sí mismo, jugando únicamente con formas puras. La abstracción del fotograma está pues vinculada deliberadamente a los envites pictóricos de la época, pero también a los propios collages y fotografías de Moholy-Nagy, y sobre todo a su obra pintada. Las superposiciones que crea con materiales traslúcidos y transparentes tienen su origen en la técnica del fotomontaje, con sus transparencias, sus relaciones de formatos y de escalas, inversiones de positivos y negativos: ciertos efectos de luminosidad y de toma de vista son comparables a lo que el artista hace en fotografía al encuadrar personajes proyectando sobre ellos la sombra de una reja, o tomándolos en contrapicado. Ciertamente, los fotogramas poseen su novedad y su calidad intrínseca, y las innovaciones que permiten no podrían obtenerse por otros medios, pero con estas exploraciones plásticas, Moholy-Nagy se limita a subrayar la amplitud de su proyecto: transformar la visión supone que se opere en todos los dominios a gran escala y no sólo en un ámbito determinado. Si comparamos los rasgos formales de las pinturas abstractas realizadas simultáneamente a los fotogramas, entre los años veinte y treinta, nos sorprenderá descubrir las similitudes plásticas entre dos medios tan distintos. Los dos tipos de obra pueden dividirse rudimentariamente entre formas orgánicas y formas geométricas, y a menudo comportan estructuras, líneas y composiciones que podrían pertenecer, si no fuera por la disparidad de la técnica utilizada, indistintamente a la pintura o al fotograma.

Distancia focal

La distancia focal o longitud focal de una lente es la distancia entre el centro óptico de la lente y el foco (o punto focal). La inversa de la distancia focal de una lente es la potencia, y se mide en dioptrías. Para una lente positiva (convergente), la distancia focal es positiva.

Profundidad de campo

Por profundidad de campo o PDC se entiende tradicionalmente en óptica, y en fotografía en particular, la zona que comprende desde el punto más cercano y el más lejano de nuestro campo que sea aceptable en cuanto a nítidez, una vez formada su imagen en el mismo plano de enfoque.

Velocidad de obturación

En fotografía, la mal llamada velocidad de obturación, que en realidad se refiere al tiempo de exposición hace referencia al periodo de tiempo durante el cual está abierto el obturador de una cámara fotográfica.

Obturador

Dispositivo de la máquina fotográfica con el que se cierra o se abre el objetivo, para regular la entrada de luz en él.

"obturador digital de velocidad variable".

Velocidad bulbo

Modo en el tiempo de obturación que permite al fotógrafo iniciar la exposición y el mecanismo se cierra cuando se suelta el botón (ya sea en la propia cámara o con un mando a distancia).

Se utiliza en tiempos de obturación superiores a 30” (depende de la marca y modelo de la cámara).

"bulbo" es simplemente un modo de operación de la cámara en donde mientras mantienes oprimido el disparador el sensor o la película están siendo expuestos a la luz. Es útil en tomas nocturnas por ejemplo.

Fotómetro

El fotómetro es un dispositivo que mide la luz usando una sensibilidad determinada y lo traduce en una combinación de diafragma y velocidad. Este diafragma y velocidad vendría a ser la combinación correcta para exponer una foto en una determinada situación de luz.  Los fotómetros tienen una célula sensible a la luz que, en los fotómetros modernos, es operada por una batería.

Lo primero que tenemos que hacer es poner el ISO de la película que estamos utilizando o, en el caso de las cámaras digitales, el ISO que queremos usar. Luego hay que apuntar el fotómetro al objeto o escena que estamos fotografiando y medir la luz que hay en el ambiente. De esa manera el fotómetro nos va a dar una combinación de diafragma y velocidad para sacar la foto.

Escala sexagesimal

Es la que tiene por base 60. Se emplea en parte en la medida del tiempo y en la medida de ángulos.

Se usaba por los babilonios, que heredaron su idea de los sumerios y de los acadios. Los sistemas de numeración de ellos dieron lugar a la base 60, es decir, al sistema sexagesimal.

En concreto los ángulos pueden medirse en grados sexagesimales (360º la circunferencia, cada gado de 60 minutos y cada minuto de 60 segundos), en grados centesimales (400 grados) o en radianes (2pi radianes).

Bit

Bit es el acrónimo de Binary digit (o sea de 'dígito binario', en español denominado como bit, y en menor medida como bitio). Un bit es un dígito del sistema de numeración binario. La capacidad de almacenamiento de una memoria digital también se mide en bits, pues esta palabra tiene varias acepciones.

Megapíxel

Un megapíxel o megapixel (Mpx) equivale a 1 millón de píxeles, a diferencia de otras medidas usadas en la computación en donde se suele utilizar la base de 1024 para los prefijos, en lugar de 1000, debido a su conveniencia respecto del uso del sistema binario. Usualmente se utiliza esta unidad para expresar la resolución de imagen de cámaras digitales; por ejemplo, una cámara que puede tomar fotografías con una resolución de 2048 × 1536 píxeles se dice que tiene 3,1 megapíxeles (2048 × 1536 = 3.145.728).

La cantidad de megapíxeles que tenga una cámara digital define el tamaño de las fotografías que puede tomar y el tamaño de las impresiones que se pueden realizar; sin embargo, hay que tener en cuenta que la matriz de puntos está siendo distribuida en un área bidimensional y, por tanto, la diferencia de la calidad de la imagen no crece proporcionalmente con la cantidad de megapíxeles que tenga una cámara, al igual que las x de una grabadora de discos compactos.

Mega

Es un término usado para describir la capacidad de almacenamiento, un prefijo que quiere decir un millón.

Megabyte

Megabyte (MB), es una cantidad de datos informáticos. Es un múltiplo del byte, que equivale a 106 B (un millón de bytes).

Kilobyte

Un kilobyte (pronunciado [kilobait]) es una unidad de almacenamiento de información cuyo símbolo es el kB (con la 'k' en minúsculas) y equivale a 103 (mil) bytes.